清明上河図

2011年12月13日の朝日新聞朝刊を見た人はビックリしたと思います。その一面には、「神品　日本へ、清明上河図　北京故宮展に」とあったからです。いくら朝日新聞が主催しているとはいえ、絵が一つくるだけで新聞の一面かと思った人が多いのではないでしょうか。《清明上河図》って何という人も多かったでしょう。そこで《清明上河図》に関して調べたことを整理してみました。

《清明上河図》は中国北宋の時代（960年-1127年）の末期に、張択端（ちょうたくたん）が描き、第八代皇帝徽宗に献上したと伝えられています。内容は、宋の都だった開封の街の内外の様子を描いたもので、当時の庶民の生活がいきいきと表現されています。季節は清明節の頃で、今で言うと４月のはじめになります。絵の中を流れている河は汴河（べんが）だと言われています。
作者、作品ができた時期、描かれた内容に関しては、他の説もあるようですが、北宋の街のにぎわいを描いたものであることは間違いないようです。

幅は24.8cm、長さ5m28cm。中に描かれている人の数は550人以上、という大きな作品です。

開封は現在は河南省の地方都市ですが、紀元前2000年の夏王朝がこの近くを拠点としていたことが知られ、中国でも最も古くから発達した地域です。随のころには黄河と淮河を結ぶ運河である汴河が作られ黄河流域と長江流域を結ぶ交通の要所になります。北宋の頃には、都として、また海運の中心として栄えていました。人口も100万はあったと言われています。

このように商業で栄えた活気ある街の絵が、《清明上河図》です。絵は、３つのパートに分かれていて、右は街の外の田園風景、真ん中が汴河にかかる紅橋を中心とする商業地、左が都市の中になっています。
その当時の、家並、商家、酒樽、船、ロバや駱駝、荷車、船頭、通行人、講釈師など、一つ一つに興味を惹かれそうです。

このような街の絵は、ヨーロッパの絵では見たことが無いですね。フェルメールのデルフトの絵には人の庶民の生活の様子はでてこないですし・・・。日本だと洛中洛外図がこれに近いでしょうか。庶民の生活を描いた絵が中国で一番人気がある絵だというのが面白いですね。また、北宋の時代は精神性の深い水墨画が発展した時期でもあったはずです、そういう文化と庶民の絵を描く文化が共存していたというのも興味深いですね。

《清明上河図》は、東京国立博物館で行われる、『日中国交正常化40周年　東京国立博物館140周年　特別展「北京故宮博物院200選」』で、2012年1月2日から1月24日の間だけ展示されます。（展覧会自体は2月19日まで開催されています）。ぜひ見に行きましょう。

関連情報の収集先としては展覧会のウェブサイトがあります。
http://www.kokyu200.jp/

またちょうど図ったように2011年12月に発刊された本があります。『謎の名画・清明上河図　北京故宮の至宝、その真実』野嶋剛、勉誠出版。野嶋さんはジャーナリストで絵の解説だけでなく、《清明上河図》にまつわる来歴や、開封という街のことが書かれています。

没後150年歌川国芳展に行く

「没後150年歌川国芳展」が大阪市美術館、静岡市美術館からの巡回で東京に来ています。森アーツセンターギャラリーで2011年12月17日から2012年2月12日の開催です。昨日は仕事が休みだったのでこれを見に行きました。もう今週は休みになっている美術館が多い中、ここは年末年始もオープンしています。

歌川国芳は1797年（寛政9年）生まれ、1861年（文久元年）没です。
東洲斎写楽が作品を世に出した年は寛政6年ですから、写楽をプロデュースした蔦屋重三郎などが活躍した浮世絵全盛期の後に生まれたわけです。
当時の社会環境を調べてみると次のようになります。
江戸四大飢饉の一つ「天保の飢饉」が発生するのが1833年から1839年。
貨幣経済が進んだことによる幕府財政の逼迫に対応するために、老中水野忠邦が農業を中心として社会を再興しようとした天保改革が行われたのが1841年。この時には寄席が封鎖され、歌舞伎も江戸の中心から移転させられました。
浦賀にペリーが黒船で来航したのは1853年。

このような波乱に富んだ中で、もしかしたら現在の日本にも通じる、このままは続かないという危機感と、何かを行おうとしてもできないという閉塞感の中で、歌川国芳は生きたことになります。

歌川国芳が注目されるのは1827年から出版された「通俗水滸伝シリーズ」だと言われています。このころ伝奇小説である読本（よみほん）が流行るようになり、曲亭馬琴などの人気が高かったそうです。その中で水滸伝も人気があったようで、国芳も水滸伝の英雄を描いた作品を出したものと思われます。
水滸伝は中国の四大奇書の一つで、北宋の徽宗帝のころ起こった反乱に題をとり、英雄達が梁山泊に集結し悪い支配者階層をやっつけ国を救うという120回に及ぶ長大な物語です。最終的には反乱を起こした人々も宋の王朝に忠義をつくすという話だということで、儒教的にも好ましい話だと言うことになっていたようです。日本では1728年以降に和訳され広まりました。

さあ、国芳展に行ってどうだったんだという話をしなくてはいけないのですが、正直、講談的な物語や、昔の武士が凄んで怖い顔をしている絵や、赤と青の対比を使ったどぎつい色の使い方など、どうも抵抗があります。近代化を進める中で、捨てるべき封建的なものといった先入観があるのかも知れません。
私は、白髪一雄さんが水滸伝をテーマにした作品を作られているのを横須賀美術館で見た時も、なぜと思ってしまいましたから、これは生理的なものかもしれませんね。
見て良かったと感じたのは、《坂田怪童丸》や《相馬の古内裏》などの構図の大胆さ・面白さや、《金魚に目高》など動物を使った作品のユーモラスさ、でしょうか。
世の中には国芳がすごく好きという人もいて、橋本治さんは、『ひらがな日本美術史６』新潮社刊の中で、約40ページを費やして歌川国芳のことを書いています。国芳は人による好き嫌いが激しい絵なのでしょう。

日経ビジネスオンラインに掲載された浮世絵研究家の岩切友里子さんの記事「歌川国芳幕末の奇才浮世絵師」によると、2009年にはロンドンのロイヤル・アカデミー・オブ・アーツで「KUNIYOSHI展」が開催され、ロンドンの人に評判は良かったということです。歌川国芳にはグラフィティ、マンガ、サブカルチャーに通じるところがあるようです。
今回も、会場の中は若い人がかなり多いという印象でした。

今回の展覧会は前期（12月17日-1月17日）と後期（1月19日-2月12日）で作品がほとんど入れ替わりますから、興味のある方は前期と後期２回行く必要があります。

松井紫郎 亀がアキレスに言ったこと

今年夏、2011年6月11日から8月28日まで、豊田市美術館で松井紫郎さんの「亀がアキレスに言ったこと　新しい世界の測定法」という展覧会が行われました。
展覧会は、大きな青いチューブを１階から２階にかけて設置して人がその中に入れるようにした作品や、シリコンラバーを壁にグニャッと置いた作品など、材料にこだわった作品が多く楽しめたのですが、今日はそっちではなく、タイトルの「亀がアキレスに言ったこと」にこだわってみます。

亀とアキレスというと、ギリシャのゼノンのパラドックスを思い出します。これは亀とアキレスが競争をする話で、亀がハンディキャップをもらってアキレスより前からスタートすると、アキレスは絶対亀に追いつけないというものです。その理由は、アキレスが亀が元いた位置にたどり着いた時には、亀はより先に進んでしまっている、つぎにアキレスが亀の行った所まで行くと、亀はさらに進んでしまっている、故にいつまでたっても亀はアキレスに追いつかないという話です。有限の距離を無限に分割できるということに気がつかないと、確かに「アキレスは亀に追いつかない」になってしまうわけです。

でも松井紫郎さんがつかっているのは、直接この話ではありません。この話をもとに、不思議の国のアリスで有名なルイス・キャロルが作った「亀がアキレスに言ったこと」のほうです。ルイス・キャロルは1895年にMIND誌にこの対話編を書いています。この話は、昔の文書の翻訳を無償でWEBで提供しているプロジェクト杉田玄白のなかに、全文が日本語で載っていますので、興味がある方は「亀がアキレスに言ったこと」でGoogle検索してみてください。
内容は、亀がアキレスに論争をしかけて、無限背進に誘い込むというものです。


A:同一のものに等しいものはお互いに等しい。
B:三角形の二つの辺は同一のものに等しい。
Z:この三角形の二つの辺はお互いに等しい。
普通はこれで「そうだね」になりそうですが、もしも亀がこれを認めず、アキレスが説得しようとすると、

A:同一のものに等しいものはお互いに等しい。

B:三角形の二つの辺は同一のものに等しい。

C:もしAとBが真ならば、Zも真でなくてはならない。
Z:この三角形の二つの辺はお互いに等しい。
となります。これも亀が認めないと、アキレスは、

A:同一のものに等しいものはお互いに等しい。

B:三角形の二つの辺は同一のものに等しい。

C:もしAとBが真ならば、Zも真でなくてはならない。

D:もしＡとＢとＣが真ならば、Ｚも真でなければならない。

Z:この三角形の二つの辺はお互いに等しい。

これも亀が認めないと、アキレスは無限に前提を付け加えなければいけなくなるというもの。これは論理学の基本をつきつめるとどうなるかということで、いろいろな哲学者も言及しているらしく、なかなか奥が深い問題らしいです。

それでは、なぜ松井紫郎が展覧会のタイトルに、「亀がアキレスに言ったこと」を使ったのでしょうか。ここは展覧会図録にある豊田市美術館学芸員「つづくまさとし」氏の解説を見てみましょう。「キャロルの対話劇では、ついにアキレスに追いつかれたカメが、新たな命題を吹っ掛け、アキレスを更なる無限パラドクスへ追いやる、という実にユニークなストーリーが展開されている。カメは、ゼノンの無限パラドクスを引き継ぐかたちで新たな無限パラドクスを生み出し、再び、アキレスを深い思索の旅へと送り込んだのである。同じように松井紫郎は、この展覧会において、先達たちが切り拓いてきた成果に学んだ独自の造形表現を通じて、新たな時空概念の謎へと我々を連れ出そうとしているのかもしれない。」

というわけで、松井紫郎という亀さんは、なかなか楽しい造形表現の迷宮と、論理学の迷宮に、私を連れ込んでくれました。

プラド美術館トリビア

昨日はゴヤ展のことを書いたので。今日はその繋がりでプラド美術館に関するトリビア。

最初はハプスブルグ家出身のスペイン王カルロス一世（1500-1558）によって始められたコレクションからはじまります。【カルロス一世は神聖ローマ皇帝カール五世と同じ人物】
その後、エスコリアル宮殿のコレクションはフェリペ二世（1527-1598）に引継がれ、ブエン・レティーロ宮殿のコレクションはフェリペ四世（1605-1665）に引継がれました。
フェリペ四世はベラスケスの後援者で、ベラスケスのラス・メニーナスの鏡に映っているのはフェリペ四世夫妻です。
さらに、フランス王ルイ十四世の孫で、スペイン・ブルボン朝の最初の王、フェリペ五世（1683-1746）によりイタリアやフランスの絵画が加えられます。
現在のプラド美術館の建物がたてられたのは、カルロス三世（1716-1788）の1785年の指示によりますが、その時には美術館にするとは決めていなかったそうです。
その後カルロス四世（1748-1819）がこのコレクションを引継ぎます。ゴヤが描いた赤い服が印象的なカルロス四世の肖像は今回西洋美術館にも来ていましたね。
カルロス三世が建てた建物を、フェルナンド七世（1784-1833）が、1819年に「王立美術館」にします。
1868年のスペイン９月革命後「プラド美術館」に改称されます。

現在は年間250万人の来館者があるそうです。

ゴヤ光と影

国立西洋美術館で行われている「プラド美術館所蔵　ゴヤ　光と影」をやっと見に行きました。展覧会は2011年10月22日から2012年1月29日までの開催です。
これは、王道の企画展です。誰でも知っている《着衣のマハ》を含むゴヤの作品をプラド美術館から借りてきて、それに国立西洋美術館が所蔵しているゴヤの版画作品を合わせて展示するというものです。
国立西洋美術館も大勢の観客が来るのを想定している様子で、入り口もいつもの建物の中に入って右にまがり階下に降りるルートではなく、建物の外を廻って階下に降りるルートになっていました。また作品も、割に小さな素描とか版画作品が多いのですが、かなり高い位置に、床から１６５cmくらいの所に展示し、混んでも後ろから見られるようになっていました。
幸いなことに、今日はクリスマス連休の日曜日のせいか会場はそれほど混んでなく、ゆっくり見ることができて満足しました。

ゴヤは1746年生まれ1828年没ですから、社会が大きく動く時代に生きていた人です。
ちょうど産業革命の時代です。フランス革命が1789年。スペインの海軍がトラファルガーの海戦で負けるのが1805年。ナポレオンのスペイン戦役が1808年。宮廷画家であったゴヤはいろいろなものを見ずにはいられなかったわけです。ゴヤは1792年に聴力を失っていますから、嫌なことは聞かなくてすんだわけですが・・・。

今回の展示も大きく分ければ、王族の肖像画、宮殿のタペストリーの下絵、大臣の要請でマハを描いている光の時代の作品と、腐敗した聖職者や戦争を見て人の愚かさに絶望した影の時代の作品に分かれます。鑑賞する人も快活な楽しさと重苦しさとを両方体験しなくてはいけないようになっています。

通して見て、すばらしいなと思うのは、ゴヤの人間観察者としての目ですね。スペイン女性のマハの挑発的なポーズ、戦争や愚かなことをしている人の表情や動作、悪夢の中のように空中に浮かんでいる人の不安定な形、それぞれ見事な形をしています。そして物理的な形体の中にある、快感であったり、怒りであったり、諦めであったりする、感情の動き。

もちろん《着衣のマハ》にも改めて魅せられました。

ザ・ベスト・オブ・山種コレクション

昨日、2011年12月23日に、山種美術館で行われているザ・ベスト・オブ山種コレクションを見に行きました。前半と後半に展示替えがあり、11月12日から12月25日が前半で江戸絵画から近代絵画へ、1月3日から2月日が後半で戦前から戦後へとなっています。

近代の日本画は、私が敬遠していた分野で、どう接したら良いのかと迷いがありあます。誤解を恐れずに言えば、近代日本画は日本という特殊な環境の中でのガラパゴス絵画なのか、またガラパゴスでも良いけれどそこに何か感じられるものがあるのか、という思いです。
また今回の展覧会に関して言えば、タイトルに、何故、”ザ・ベスト・オブ”とか、”コレクション”とか、英語をカタカナ表記で使わなければ行けないのかというのも疑問です。近代日本画って何なんだろう。

そんな思いは置いておいて、本当に置いておけたのか自信はありませんが、作品を見てみました。

展示会は、琳派から始まっていました。このへんは日本画という言葉も無い時代の作品ですから安心して見られます。俵屋宗達と尾形光琳の《四季草花下絵和歌短冊貼》、いま手元に図版もありますが、この微妙な色や線は図版ではわかりませんね。できるものなら欲しい。酒井抱一の《秋草鶉図》、草の線、ちょっと入った色の具合、これもいいですね。
反対側の壁には、岩佐又兵衛の《官女観菊図》、池大雅の《指頭山水図》、そして鈴木春信、鳥居清長、喜多川歌麿、東洲斎写楽、歌川広重、葛飾北斎、なるほどいいな。

ここからが問題の近代日本画。
橋本雅邦の《日本武尊像》、官の学校の先生ですから、日本の歴史画を描かなくてはということかな。
川合玉堂が漢画からだんだん離れて日本の原風景的なものを描くようになるのを見ます、日本の原風景にあまり思入れのない私としては、それがどうした感、玉堂先生ごめんなさい。
菱田春草の《月四題》、批判精神を忘れて、なんかいいな。ガラパゴスでもいいや。
下村観山の《老松白藤》、大作ですね、桃山時代の豪壮さとも、江戸時代の整った感じとも違う六曲一双の屏風絵。大正１０年の作。ヨーロッパでは第一次世界大戦が終わり、ロシア革命が起きたあとの作品ですね、でもここにはそんなこと知らないという世界があります。
竹内栖鳳の《斑猫》、これは超絶技巧、いい猫だな。でも、それを描いてどうするんですか栖鳳さん。
上村松園の美人画、８頭身以上ある、近付き難いきりっとした女性達。
安田靫彦の《出陣の舞》、織田信長が人生五十年といいながら舞っている所です、こえは昭和４５年の作品。ということは８６歳のときの作品。洋画の画家が早く死んでしまっているのに比べると日本画の画家の寿命は長いですね。どんな絵を描いたらいいんだというストレスが少ないのかな、などと言っては失礼でしょうか。
速水御舟の《名樹散椿》、これは構図が斬新。また、図録ではわからないと思いますが、背景の金色のグラデーションがたいへん微妙で美しいですね。

と、怖いもの知らずで、勝手なことを言った、今日のブログでした。
来月の後半も見に行きましょう。

東京都現代美術館友の会

この前の土曜日に東京都現代美術館に行った時に友の会の申込をしてきました。昨日会員証が届きました。

会員の特典には次のようなものがあります。
・常設展が無料
・企画展が半額
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・東京都庭園美術館、東京都江戸美術館、東京たてもの園の常設展が２０％引き
・東京都庭園美術館、東京都江戸美術館、東京都写真美術館が２０％引き
・東京都美術館の企画展が団体割引適用

これが年会費１５００円です。
すごくお得だと思いませんか。東京都現代美術館に入りびたりになってしまいそうです。